Jan van Eyck khám phá ra bí mật của dầu
Phần lớn lịch sử ban đầu của tranh sơn dầu là về những gì đã không xảy ra ở đất nước bị cô lập của chúng tôi. Thời kỳ Phục hưng đã biến đổi và nhân bản hóa hội họa ở Ý vào những năm 1500 đã không thực sự xảy ra đối với chúng tôi. Khoa học, âm nhạc và, đặc biệt là văn học, phát triển mạnh mẽ ở Anh, nhưng thế giới gợi cảm của hội họa vẫn chưa được khám phá.
Nó được để cho người Hà Lan can đảm chỉ đường cho chúng ta. Và, khi họ làm vậy, nó cũng thông qua hóa học cũng như thông qua nghệ thuật. Họ cũng cho người Ý xem. Sự qua lại của các ý tưởng và kỹ thuật giữa Ý và Hà Lan trong suốt Thế kỷ 15 rất phức tạp. Tuy nhiên, sơn dầu ban đầu là một bước đột phá của Hà Lan, dẫn đầu bởi Jan van Eyck. Ông vẽ Bức tranh hôn nhân Arnolfini vào năm 1434 và là người đi tiên phong trong lĩnh vực thuật giả kim của sơn, cũng như là một trong những nghệ sĩ đầu tiên ký tên vào tác phẩm của họ.
Trong thời gian trước đó, các nghệ sĩ bị hạn chế với các loại sơn nước khô quá nhanh. Nếu họ đang làm việc trên một bức tường lớn, họ không thể dừng lại để nghỉ ngơi và họ phải làm việc từng chút một. Nếu họ làm việc trên gỗ, màu sắc phẳng và không có sức sống.
Cho đến thời của van Eyck, những loại dầu như ở đó đã khô quá chậm, nếu có, và có màu âm u và có màu vàng. Van Eyck trộn bột màu thô với dầu hữu cơ, đun sôi xương nung trong dầu hạt lanh của cây lanh. Đây là một bước đột phá bởi vì nó cuối cùng đã hoàn thiện một hỗn hợp ổn định được “sấy khô” trong một thời gian hữu ích. (Trên thực tế, nói một cách chính xác, sơn dầu không khô, hoặc bay hơi, giống như màu nước, đúng hơn là nó bị oxy hóa và “đóng rắn”).
Sự kỳ diệu của phương tiện mới
Khi đã đạt được công thức này, lần đầu tiên một họa sĩ có thể thức dậy vào buổi sáng và xây dựng dựa trên những gì anh ta đã hoàn thành vào ngày hôm trước. Và những gì một loạt các hiệu ứng mới hiện đã có sẵn cho anh ta! Một thư viện hoàn toàn mới về màu sắc, kết cấu, ánh sáng và không gian.
Dầu giải phóng các đặc tính của màu sắc và làm cho chúng trở nên trong suốt hoặc mờ đục theo ý muốn, vì vậy chúng có thể được trộn lẫn hoặc phủ lên nhau trong sự kết hợp vô hạn. Mắt người có khả năng phân biệt hàng chục triệu màu sắc, nhưng cho đến khi The Arnolfini Marriage chưa có họa sĩ nào có thể khai thác khả năng tuyệt vời này. Chất lượng sơn mới phong phú này chắc hẳn vào thời điểm đó giống như “thực tế được đựng trong một cái chặn giấy thủy tinh”.
Các nghệ sĩ khác phát triển công thức
Van Eyck đã giữ bí mật công thức của mình cho đến trước khi ông qua đời. Tiếp theo, Antonello da Messina thêm oxit chì để cải thiện độ đặc và thời gian khô, và ông được cho là đã giới thiệu quy trình mới cho Ý thời Phục hưng. Một chút sau đó vào thế kỷ đó, Leonardo da Vinci đã cải thiện độ trong bằng cách thêm sáp ong ở nhiệt độ thấp hơn, và sau đó Rubens vẫn sử dụng nhựa thông làm chất pha loãng.
Dầu trong sơn càng nhiều thì sơn càng ‘béo’ và thời gian khô càng lâu. Càng nhiều lượt thay đổi, nó được cho là ‘gầy’, và nó khô nhanh hơn. Các họa sĩ biết rằng họ nên sơn mỡ trên nạc, nếu không họ có nguy cơ bị nứt, với lớp sơn chưa khô bị kẹt dưới lớp sơn đã khô.
Kỹ thuật mới, ý tưởng mới
Các kỹ thuật mới này trùng hợp với những ý tưởng mới ở Ý. Vào những năm 1500, các cuộc thi sắc đẹp của các vị Thánh, có trật tự, tĩnh tại và trang sức, đã nhường chỗ cho Con người, khỏa thân và đơn độc trong những cảnh quan khổng lồ, hoặc những người đàn ông tranh giành nhau trong những bộ phim truyền hình mạnh mẽ.
Phối cảnh – đó là thủ thuật đáng kinh ngạc của sự suy thoái 3D vào không gian được chiếu bằng toán học – đã được giới thiệu.
Những khả năng mới về hình thức và màu sắc, thể hiện ở nhà thiết kế Michelangelo và nhà tạo màu Titian, đã vang vọng qua nhiều thời đại thông qua những so sánh tương tự giữa Ingres và Delacroix, sau đó là Picasso và Matisse.
Dầu sớm ở Bắc Âu
Trong khi đó, ở miền Bắc theo đạo Tin lành lạnh hơn, Người được miêu tả mặc quần áo và được bao quanh bởi các đồng sự của mình. Mặc dù anh ta đã được thả ra khỏi bị nhốt trong nhà, nhưng đôi khi nó vẫn rơi vào một môi trường đầy đe dọa và khó khăn.
Trong Ngày đen tối của Pieter Brueghel, không có câu chuyện nào được kể, nhưng khung cảnh, một sự tồn tại khó khăn trong một khung cảnh rộng lớn vào tháng Hai, được mô tả chính xác. Nó là một ví dụ ban đầu của phong cảnh vì lợi ích riêng của nó, nơi tâm trạng vượt qua tường thuật, không được thấy trong nghệ thuật Anh cho đến thế kỷ 18.
Van Dyck mang dầu đến Anh
Chính Rubens và cậu học trò nổi tiếng van Dyck, đều là người Hà Lan, cuối cùng những ý tưởng mới từ Ý đã được du nhập vào Anh, và nó đã được thực hiện bằng cách vẽ chân dung. Tòa án Hoàng gia cần những bức chân dung, như Elizabeth tôi đã phát hiện ra, những bức chân dung là cách tuyên truyền tốt nhất.
Trong bối cảnh rộng lớn hơn của nghệ thuật châu Âu, van Dyck đóng góp ít điều mới mẻ – nhưng ảnh hưởng của ông ở Anh từ những năm 1630 là rất sâu sắc. Không phải kể từ Holbein vào những năm 1530, chúng ta đã thấy một họa sĩ cấp tiến đến vậy. Như nhà phê bình Richard Dorment đã nói: “Bằng cách giới thiệu vào nghệ thuật Anh cả tính năng động không gian của nghệ thuật baroque cao và kỹ thuật pha tạp của người Venice (đặt một lớp màu mỏng lên trên một lớp màu khác để tạo ra hiệu ứng ánh sáng chiếu trên bề mặt), van Dyck ngay lập tức trở thành nghệ sĩ tiến bộ nhất đất nước ”.
Van Dyck có nhiều người theo đuổi. Sir Peter Lely (người Hà Lan) và Sir Godfrey Kneller (người Đức) đã làm việc trong bóng tối của ông cho đến những năm 1730 khi Hogarth (tiếng Anh!) Có thể được cho là đã khởi xướng một trường học tiếng Anh độc đáo. Anh ấy đối xử với cuộc sống hiện đại thông qua cách kể chuyện, với sự hài hước và cảm thông, và tất nhiên, kỹ năng tuyệt vời.
Reynolds và Gainsborough
Con đường được mở cho hai nghệ sĩ người Anh, một người đến từ đất nước phía tây – Ngài Joshua Reynolds – và một người đến từ Suffolk ở phía đông – Thomas Gainsborough. Cả hai đều dựa vào việc vẽ chân dung, nhưng Reynolds nổi tiếng và linh hoạt tin vào ‘Phong cách lớn’, lý tưởng hóa bản chất và làm hài lòng những người trông nom anh ấy.Gainsborough được vẽ từ thiên nhiên theo một cách đặc biệt, sáng tạo và phản học thuật. Anh yêu thích phong cảnh nước Anh, nơi anh đã vẽ bằng tông màu lưu loát, trong suốt và hoạt hình.
Chắc chắn trong trại của các nhà thơ là họa sĩ lãng mạn John Constable, cũng đến từ Suffolk, người đã vẽ ngoài cửa trực tiếp từ thiên nhiên, trong tất cả thời tiết. Những bản phác thảo sơn dầu sôi động và ngẫu hứng của ông đã được Delacroix và Gericault, và trường Barbizon của những người vẽ tranh cổ động ngưỡng mộ.
Quyền tự do cho các nghệ sĩ đi lang thang trong việc bắt các hiệu ứng ánh sáng trong mọi thời tiết, thay vì phải pha sơn trong studio của họ, đã được tăng cường đáng kể nhờ phát minh ra ống sơn kẽm vào năm 1841, bốn năm sau khi Constable qua đời.
Tiền Raphaelites
Vào năm cách mạng 1848, một nhóm các nghệ sĩ rất trẻ tự xưng là Pre-Raphaelites đã nổi dậy chống lại những bức tranh màu nâu và nhàm chán tại Học viện Hoàng gia. Họ muốn quay trở lại thời kỳ thuần khiết hơn, trước Raphael, khi màu sắc sống động và chủ thể không phức tạp. Cuối cùng, họ đã vẽ những cảnh thời trung cổ trên nền đất trắng, phản chiếu ánh sáng trở lại qua sắc tố và tăng cường màu sắc của chúng ở một mức độ ban đầu gây sốc cho công chúng thời Victoria.
Turner và ‘dòng chính’ mới của Anh
Các tác phẩm Tiền Raphael có thể vẫn nằm ngoài dòng chính nếu nó không giành được chức vô địch của nhà phê bình có ảnh hưởng John Ruskin, tác giả của Những họa sĩ hiện đại.
Ruskin đã phân tích và điếu văn của J.M.W. Turner, người mà ông tin là nghệ sĩ vĩ đại nhất kể từ thời Phục hưng. Điều này đã giúp thành lập ‘dòng chính’, một trường phái hội họa hoàn toàn trưởng thành của Anh, với Turner đứng đầu.
Ruskin lập luận rằng thay vì ‘sáng tác’ những bức tranh nhân tạo trong xưởng vẽ của mình, Turner đã trực tiếp đến với thiên nhiên để tìm ra chân lý, và Chúa – ‘đấng siêu phàm’, giữa con người mà con người thực sự rất nhỏ bé.
Nghệ thuật Anh trên sân khấu quốc tế
Turner qua đời vào năm 1851, năm diễn ra cuộc Triển lãm lớn, đã giúp thiết lập nền nghệ thuật và công nghiệp của Anh trở nên phát triển vượt bậc trên thế giới. Nhiều ý tưởng mới đã nở rộ ở nước Anh mới giàu có và ngày càng tự tin, trong số đó có phong trào Thẩm mỹ. Burne-Jones và Albert Moore đã vẽ những chủ thể không có thực, những bóng ma nhợt nhạt trong phong cảnh trong mơ hay những vẻ đẹp không thể phối hợp màu sắc được khoác lên người. Một tầng lớp trung lưu ham mê nghệ thuật đã nhìn chúng tại Phòng trưng bày Grosvenor từ năm 1877 và Phòng trưng bày mới từ năm 1888.
Với đường sắt và điện báo, nước Anh trở nên thấm nhuần hơn với các ý tưởng nước ngoài. Frederic, Lord Leighton của Stretton, Chủ tịch Học viện Hoàng gia, là một nhà du hành vũ trụ từng học ở Đức, Pháp và Ý. Anh ấy sở hữu một số bức tranh của Corot.
Ảnh hưởng của Mỹ
Một số ý tưởng mới của cuối thế kỷ 19 đã đến với người Mỹ. Năm 1875, Whistler vẽ Nocturne của mình bằng màu đen và vàng: Tên lửa rơi, đạt đến rìa của sự trừu tượng. Whistler muốn bức tranh của mình có tác động đến cảm xúc giống như một đoạn nhạc, và chỉ miễn cưỡng thêm ‘Tên lửa rơi’ vào tiêu đề để giải thích bức tranh cho công chúng. Whistler khoe rằng phải mất hai ngày để vẽ, và nó đã làm dấy lên một vụ án phỉ báng nổi tiếng sau khi Ruskin cáo buộc họa sĩ này “tạt một chậu sơn vào mặt công chúng.”
Một người Mỹ theo chủ nghĩa quốc tế khác, John Singer Sargent, đã vẽ ở London cũng như ở New York, theo truyền thống của Velasquez và van Dyck. Anh ấy đã rất thành công. Nhà phê bình Robert Hughes đã ca ngợi Sargent là “người ghi dấu ấn vô song về sức mạnh nam giới và vẻ đẹp phụ nữ trong một ngày mà, giống như thời của chúng ta, đã phải trả giá quá cao cho cả hai”.
Whistler là thành viên sáng lập của Câu lạc bộ Nghệ thuật Anh ngữ Mới vào năm 1886, được thành lập để mô phỏng Salon des Refusés của những người theo trường phái Ấn tượng Pháp. Các họa sĩ được yêu cầu phải làm việc rất nhanh, để bắt kịp ánh sáng trước khi nó thay đổi. Đại diện trong triển lãm đầu tiên là George Clausen, Stanhope Forbes, Sargent và Wilson Steer.
Đồng thời, một số nghệ sĩ trẻ này đã đến làng chài Newlyn, vẽ nên ánh sáng theo cách của La Thăngue.
Ở Scotland, các chàng trai Glasgow đã đáp lại ảnh hưởng của trường phái Ấn tượng bằng những bàn chải rộng và bảng màu sống động.
Bài ấn tượng
Vào năm 1910 và 1912, nhà phê bình Roger Fry đã tổ chức các cuộc triển lãm về Chủ nghĩa Hậu Ấn tượng (một thuật ngữ do ông đặt ra) ở London. Họ đã bị sốc và kinh hoàng. Fry có quan hệ mật thiết với Tập đoàn Bloomsbury. Họ kiên quyết bác bỏ thẩm mỹ truyền thống của người Anh về tường thuật và tính ‘đẹp như tranh vẽ’. Điều này không ngăn cản một số người trong số họ, đặc biệt là Vanessa Bell và Dora Carrington, vẽ những bức tranh đẹp.
Đồng thời, cũng bị ảnh hưởng bởi những người theo trường phái Hậu Ấn tượng, đặc biệt là van Gogh và Gauguin, Nhóm Thị trấn Camden được thành lập xung quanh Walter Sickert, người đã biết Degas. Những bức tranh gợi nhớ của họ về London trong Đại chiến có một bảng màu xám xịt, buồn tẻ mà giờ đây dường như chính xác là phù hợp.
The Vorticists
Wyndham Lewis tách khỏi Fry và Bloomsbury Group, và thành lập phong trào Vorticist cùng với Epstein, Bomberg, Gaudier-Breska, Nevinson, Wadsworth và Roberts. Bị phấn khích bởi sự năng động và hoạt động của máy móc và con người, những người theo chủ nghĩa Vorticists tích cực đón nhận sự hiện đại, cố gắng ghi lại chuyển động trong một hình ảnh. Mặc dù Vorticism tồn tại vỏn vẹn 3 năm, nhưng hiện nay nó được coi là phong trào nghệ thuật hiện đại hoàn toàn tự phát và thực sự là cây nhà lá vườn của Anh trong thế kỷ 20.
Thời chiến
Sự biến động của cuộc Đại chiến đã chia cắt tất cả các nhóm, nhưng sự vô nhân đạo của nó đã tạo ra những kích thích mạnh mẽ cho các họa sĩ theo trường phái hiện đại. Tính dễ bị tổn thương của con người giữa những động cơ không thể tháo gỡ và chất nổ tàn phá của chiến tranh đòi hỏi một ngữ pháp mới. Sự kinh dị đã truyền cảm hứng cho các Nghệ sĩ Chiến tranh Chính thức vẽ nên những bức tranh có sức mạnh mãnh liệt. Trong số những “họa sĩ mặc kaki” này có Bomberg, Nevinson, Orpen và Paul Nash.
Nash viết từ mặt trận vào năm 1917: “Tôi không còn là một nghệ sĩ nữa. Tôi là một sứ giả sẽ gửi lại lời từ những người đang chiến đấu cho những người muốn chiến tranh tiếp diễn mãi mãi. Phiền phức, vô chính phủ sẽ là thông điệp của tôi , nhưng nó sẽ có một sự thật cay đắng và nó có thể đốt cháy tâm hồn tệ hại của họ. “
Nghệ thuật thời hậu chiến của Anh
Bức tranh của Anh sau Đại chiến lại được chú ý vì những gì không chạm vào nó. Nước Anh đã kiệt quệ. Chủ nghĩa Biểu hiện Trừu tượng, Trường Màu, Chủ nghĩa Tối giản và các hình thức của Chủ nghĩa Hậu Hiện đại không bao giờ có giá trị ở đây, mặc dù tất nhiên các họa sĩ cá nhân, đặc biệt là Lucian Freud và Francis Bacon, đã đạt được thành tựu vĩ đại trên trường thế giới.
Một số nghệ sĩ, như Stanley Spencer ở Cookham, phát triển từ từ giống như những cây phong lữ trong chậu trong nhà kính biệt lập, không chịu bất kỳ ảnh hưởng chính thức nào.
Những phát triển triệt để nhất ở Anh vào thời điểm này là về hình thức và bề mặt, và hai nhân vật chính, Henry Moore và Barbara Hepworth, đều là những nhà điêu khắc.
Chồng của Hepworth, họa sĩ Ben Nicholson, đã thử nghiệm các tấm hình học chồng lên nhau, có kết cấu bằng bụi đá cẩm thạch và được sơn mỏng, đôi khi có màu trắng tinh khiết. Hepworth và Nicholson đến sống tại St Ives ở Cornwall, thu hút một nhóm nghệ sĩ được gọi là Trường St Ives, bao gồm Lanyon và Frost, Hilton và Heron. Màu sắc gợi cảm phong phú và các hình khối đan xen phẳng, đậm là đặc trưng của tất cả các họa sĩ của St Ives.
Vào năm 1961, sau sự trỗi dậy của Nghệ thuật đại chúng, một nhóm sinh viên Đại học Nghệ thuật Hoàng gia bao gồm Hockney, Caulfield và Kitaj đã gây tiếng vang lớn với một cuộc triển lãm những bức tranh sơn màu rất lớn và đậm.
Trường Đường Euston
Giữa những năm 1930 và ngày nay, Chủ nghĩa Hiện đại ở Anh đã phát triển thành một động vật thị trường nghệ thuật kỳ lạ, hoang dã. Tuy nhiên, cùng với câu chuyện này, và trái ngược hoàn toàn với nó, một nhóm nghệ sĩ duy tâm khác, nhiều người trong số họ là những người theo chủ nghĩa xã hội, đã thành lập ngay trước Chiến tranh thế giới thứ hai. Họ tự gọi mình là Trường Đường Euston.
Những nghệ sĩ này đã rút lui khỏi cơn sóng thần của các quần thể hiện đại phát ra từ Mỹ và trở về với thiên nhiên và thực tế. Hoang mang và xa lánh trước sự phát triển của nghệ thuật, họ muốn hội họa một lần nữa được người bình thường thấu hiểu. Phản ứng trầm lặng và ôn hòa của họ có lẽ là người Anh đặc biệt.
Trường Euston Road đã cung cấp cho chúng ta một thế hệ giáo viên tuyệt vời, trong số đó có Coldstream, Gowing và Pasmore, mặc dù Pasmore đã chuyển sang hướng trừu tượng vào khoảng năm 1950.